ストーリー
キット・エバースバッハによる現実認識の再検証：Untilities
これは少なくとも1年は待たされました。キット・エバースバッハと私が一緒に進めている様々なプロジェクト（ニック・クロサワのデビューEPのレコーディングから始まりました）の中で、キットは何年もほぼ毎晩取り組んでいる新しい曲を私に渡してくれています。 今年初め、彼のアルバム「Moonbath」をインターネットでこっそり公開しました。皆さんもきっと気づいてくれたでしょう。（もし気づいてなかったとしても、いつでも戻って聴いてみてください。） 今回は、おそらくキットのこれまでで最も考えさせられる音楽コレクションである「Untilities」をご紹介します。 キット・エバースバッハ著『Untilities』 キット・エバースバッハがこのアルバムを「Untilities」と名付けた理由は分かっています。少なくとも、彼がなぜこのタイトルを選んだのか、その理由を説明させてください。ユーティリティとは、私たちが日々頼りにする便利なサービスです。生活の質と利便性の基準に不可欠です。水道、電気、下水道、インターネット。これらがなければ私たちは生きていけません。私たちの生活を支えてくれているのです。Untilitiesはその逆です。私たちの生活様式を支えたり向上させたりするのではなく、Untilitiesは私たちの現実を破壊し、既成の生活水準に疑問を投げかけ、快適に暮らす能力ではなく、新たな真実に気づくのに十分な不快感を感じる機会を与えようとします。 Untilties はこのアルバムの各トラックの目的を、現実に対する私たちの認識を再検討するための便利なツールであると説明しています。 しかしながら、「変動する平面」という言葉こそが、このアルバムを最も的確に表現しているように思える。キットはこのアルバムで、知的で奇妙、気まぐれで、そして繊細に感情を揺さぶる楽曲の数々を収録し、「存在そのものの音楽」を成し遂げた。それはまるで人生そのもののように感じられる。幼少期の遠い記憶、実存主義の衝動、不安とアドレナリン、自然が息づく混沌、作り話と唐突な思考、そして無重力の禅の瞬間。 「人生のすべてにイエス」 キットはあらゆることをやってきたと言う人がほとんどだろう。1960年代から70年代にかけてハワイのジャズクラブやR&Bグループで活動し（初期のレコーディングはゴードン・ブロード、レムリア、ババドゥとの共演）、その後10年間でハワイ初のニューウェーブバンド、ザ・スクイッズを結成。「状況下での最高のクオリティ」という精神は、何か違うものを求める情熱的でお茶目な若者たちの心に響きました。1980年代には、キットと型破りな仲間たち、ロバート・エオルス・マイヤーズ、ネルソン・ヒュー、フランク・オラルと共に、実験的なグループ「ゲイン・デンジャラス・ヴィジョンズ」で、パフォーマンスアート、テクノロジー、即興演奏を通して音楽と精神を揺さぶった。 1990年代、キットは広告会社の重役ロイド・カンデルとタッグを組み、ドン・ティキと共にエキゾチカのサウンドを再現しました。ドン・ティキは、1950年代の擬似ポリネシアン・ラウンジミュージックへの世界的な熱狂を再び呼び起こした先駆的なグループの一つです。現在、キットはアレンジャー兼伴奏者として、遊び心と計算に満ちながらも緻密なアプローチで、スター・カラヒキやテレサ・ブライトといったハワイアンミュージック界の巨匠たちをサポートしています。 キットに尋ねれば、これらの 8 つのサウンドと構造の構成 (彼は「曲」と呼ぶことを拒否している) は、新しい音楽的アイデアを探求して新しいプラグインを試し、オンラインや無名のビニールレコードから見つけた風変わりなサンプルを強調し、わずかに加工したフィールド録音を通じて音の記憶を記録したいという飽くなき衝動から生まれたものだと答えるかもしれない。 私にとって、このアルバムは、アーティストによる人生を肯定し、人生を変え、人生経験を体現する作品のコレクションに聞こえる。功利主義からの脱却を目指す試みであり、混沌が安定をもたらす、ある種の禅（もしそう思えるなら）をさりげなく呼び起こしている。「いつも知っていた場所へ戻ろう。時間も空間もない場所へ。」それぞれのトラックは、キットが初期の頃から好奇心を掻き立てられながら向き合ってきた存在の連続体の一部なのだ。 「一日一日、もっと生きるために」。 キット・エバースバッハ著『Untilities』
キット・エバースバッハによる現実認識の再検証：Untilities
これは少なくとも1年は待たされました。キット・エバースバッハと私が一緒に進めている様々なプロジェクト（ニック・クロサワのデビューEPのレコーディングから始まりました）の中で、キットは何年もほぼ毎晩取り組んでいる新しい曲を私に渡してくれています。 今年初め、彼のアルバム「Moonbath」をインターネットでこっそり公開しました。皆さんもきっと気づいてくれたでしょう。（もし気づいてなかったとしても、いつでも戻って聴いてみてください。） 今回は、おそらくキットのこれまでで最も考えさせられる音楽コレクションである「Untilities」をご紹介します。 キット・エバースバッハ著『Untilities』 キット・エバースバッハがこのアルバムを「Untilities」と名付けた理由は分かっています。少なくとも、彼がなぜこのタイトルを選んだのか、その理由を説明させてください。ユーティリティとは、私たちが日々頼りにする便利なサービスです。生活の質と利便性の基準に不可欠です。水道、電気、下水道、インターネット。これらがなければ私たちは生きていけません。私たちの生活を支えてくれているのです。Untilitiesはその逆です。私たちの生活様式を支えたり向上させたりするのではなく、Untilitiesは私たちの現実を破壊し、既成の生活水準に疑問を投げかけ、快適に暮らす能力ではなく、新たな真実に気づくのに十分な不快感を感じる機会を与えようとします。 Untilties はこのアルバムの各トラックの目的を、現実に対する私たちの認識を再検討するための便利なツールであると説明しています。 しかしながら、「変動する平面」という言葉こそが、このアルバムを最も的確に表現しているように思える。キットはこのアルバムで、知的で奇妙、気まぐれで、そして繊細に感情を揺さぶる楽曲の数々を収録し、「存在そのものの音楽」を成し遂げた。それはまるで人生そのもののように感じられる。幼少期の遠い記憶、実存主義の衝動、不安とアドレナリン、自然が息づく混沌、作り話と唐突な思考、そして無重力の禅の瞬間。 「人生のすべてにイエス」 キットはあらゆることをやってきたと言う人がほとんどだろう。1960年代から70年代にかけてハワイのジャズクラブやR&Bグループで活動し（初期のレコーディングはゴードン・ブロード、レムリア、ババドゥとの共演）、その後10年間でハワイ初のニューウェーブバンド、ザ・スクイッズを結成。「状況下での最高のクオリティ」という精神は、何か違うものを求める情熱的でお茶目な若者たちの心に響きました。1980年代には、キットと型破りな仲間たち、ロバート・エオルス・マイヤーズ、ネルソン・ヒュー、フランク・オラルと共に、実験的なグループ「ゲイン・デンジャラス・ヴィジョンズ」で、パフォーマンスアート、テクノロジー、即興演奏を通して音楽と精神を揺さぶった。 1990年代、キットは広告会社の重役ロイド・カンデルとタッグを組み、ドン・ティキと共にエキゾチカのサウンドを再現しました。ドン・ティキは、1950年代の擬似ポリネシアン・ラウンジミュージックへの世界的な熱狂を再び呼び起こした先駆的なグループの一つです。現在、キットはアレンジャー兼伴奏者として、遊び心と計算に満ちながらも緻密なアプローチで、スター・カラヒキやテレサ・ブライトといったハワイアンミュージック界の巨匠たちをサポートしています。 キットに尋ねれば、これらの 8 つのサウンドと構造の構成 (彼は「曲」と呼ぶことを拒否している) は、新しい音楽的アイデアを探求して新しいプラグインを試し、オンラインや無名のビニールレコードから見つけた風変わりなサンプルを強調し、わずかに加工したフィールド録音を通じて音の記憶を記録したいという飽くなき衝動から生まれたものだと答えるかもしれない。 私にとって、このアルバムは、アーティストによる人生を肯定し、人生を変え、人生経験を体現する作品のコレクションに聞こえる。功利主義からの脱却を目指す試みであり、混沌が安定をもたらす、ある種の禅（もしそう思えるなら）をさりげなく呼び起こしている。「いつも知っていた場所へ戻ろう。時間も空間もない場所へ。」それぞれのトラックは、キットが初期の頃から好奇心を掻き立てられながら向き合ってきた存在の連続体の一部なのだ。 「一日一日、もっと生きるために」。 キット・エバースバッハ著『Untilities』
BLUEと「DC2NYC2」：デハンの新曲
デ・ハンに初めて会い、そして彼の演奏を聴いたのは、2017年1月に開催された、私たちのドキュメンタリー映画（まだ制作中）『アロハ・ゴット・ソウル』の試写会でした。彼はメアリーアン・イトーのバンドでドラマーを務めており、そのバンドにはギルバート・バタンガン（ベース）、ジャバリ・プレヴォスト（キーボード）も所属していました。第一印象は今も変わりません。デの軽快でテクニカルなスタイルは、ジャズ、R&B、レゲエ、ヒップホップなど、どんなジャンルの音楽にもマッチします。その夜、彼らは主にオリジナル曲を演奏しました。実際、バンドの演奏は素晴らしく、メアリーアンの魔法のようなパフォーマンスを捉えるために、ライブアルバムを録音する必要があると確信しました。（そして、それは最終的に実現しました！） その後、デイと私は知り合いになり、様々なライブで顔を合わせるようになりました。ご想像の通り、共通の友人もたくさんいますが、共通点もたくさんあります。二人とも青春時代はスケートボードとビート作りに多くの時間を費やし、 J・ディラと彼のアルバム「Donuts」には大きな影響を受けました（このアルバムがディラの生前最後の作品であり、愛する人への手紙であり、ある意味ではこの世を去る前の最後の言葉だったと知るまで、私はそのアルバムの真価を十分に理解していませんでした）。 ある時、デイは友人のネルソン・チョーの協力を得てソロEPを制作していると教えてくれた。二人はワヒアワにあるネルソンのライトワークス・レコーディングスで何時間も過ごし、十数曲と数え切れないほどのビートを制作していた。 ある日、デイがスタジオに招き入れ、ラフ・ドラフトをいくつか見せてくれました。光栄にもその申し出を受け、私はスタジオへ行きました。そこで聴いたのは、デイが思い描いた「BLUE」の始まりでした。それは、東海岸（ワシントンD.C.とニューヨーク）での活動から、現在活躍するホノルルまでの、アーティストとしての道のりを物語る楽曲集でした。 草稿はまだ粗削りだったので、私はオープンに意見を述べ、途中でどんなフィードバックでも喜んで提供できるようにしておいた。彼とネルソンの側には、まだやるべきことがたくさんあった。アレンジを締めくくり、適切なシンガーを見つけ、空いている部分を埋め、そして決定的なひらめきの瞬間が訪れるのを待つこと。 DC2NYC2 by Dae Han 数か月が経ち、私はプロジェクト自体についてデイからあまり聞いていませんでしたが、サーフジャック ホテルで初めてメアリーアン イトウと共演した彼を見たときのように、いつも私にインスピレーションと感動を与えてくれる彼のショーをたくさん見ました。 トランペット奏者の黒田卓也がブルーノート・ハワイのヘッドライン公演のために来日した際、デイが組んだバンド。あるいは、ギルバート・バタンガン、マーク・タノウエと共に、ザ・リパブリックでクルアンビンの前座を務めたトリオ。昨年は、ミンディ・スモークスタック、アマンダ・フレイザー、ニック・クロサワ、メアリーアン・イトーの才能を称えるため、サックス奏者のニック・カレイキニと企画したクリスマス「シンガーズ・スペシャル」。アサートン公演でデイが披露したハービー・ハンコックの曲のジャングル風（つまりブレイクビーツ風）バージョンは今でも忘れられない。衝撃的だった！ そしてもちろん、デイは毎年、自身のDae Han Ensemble （「Dae Hansemble」と略すべきだと冗談を言う人もいます）を率いてJ Dillaに敬意を表し、ジャズを前面に押し出したアプローチでプロデューサーの名曲をライブで披露しています。これはいつも素晴らしい体験です。ハワイ以外の人にも聴いてもらえるように、これらのパフォーマンスの録音が公開されていたら良かったのにと思います。 ある日、Daeから『BLUE』が完成したと聞きました。2019年末のリリースに向けて準備を進めているとのこと。 協力したいと思っていましたが、数ヶ月前のドラフト段階から聴いていなかったので、どんな感じなのか確信が持てませんでした。でも、1年間の素晴らしいパフォーマンスを目の当たりにしてきたので、彼のアルバムが傑出した作品になることは間違いありませんでした。ネルソンが最後のトラックを送ってくれました。 次の一週間、私はBLUE以外の音楽をほとんど聴きませんでした。 「 DC2NYC 」のオープニングコードを聴いた瞬間から、これは何か特別なものがあると確信しました。この曲の続編となるヒット曲「 DC2NYC2 」では、嬉しいことにマリアンヌ・イトーがオープニングを飾り（彼女大好き！）、そして止まらない勢いのShing02と、長年のコラボレーターであるスピン・マスターA-1が続きます。サックス奏者のニック・カレイキニの力を借りて、タイトルトラック「BLUE」は自信に満ちた旋律へと移り、次の曲、思わず頭をうなずきたくなるグルーヴ感溢れる「Honolulu Jazz」へと続きます。この曲を聴いた瞬間、これは素晴らしいレコードになるだろうと確信しました。 そこでデイに、これをレコードにしようと持ちかけたんだ。「レコードにしよう」ってね。アロハ・ゴット・ソウル経由でね。デイは賛成してくれた。...
BLUEと「DC2NYC2」：デハンの新曲
デ・ハンに初めて会い、そして彼の演奏を聴いたのは、2017年1月に開催された、私たちのドキュメンタリー映画（まだ制作中）『アロハ・ゴット・ソウル』の試写会でした。彼はメアリーアン・イトーのバンドでドラマーを務めており、そのバンドにはギルバート・バタンガン（ベース）、ジャバリ・プレヴォスト（キーボード）も所属していました。第一印象は今も変わりません。デの軽快でテクニカルなスタイルは、ジャズ、R&B、レゲエ、ヒップホップなど、どんなジャンルの音楽にもマッチします。その夜、彼らは主にオリジナル曲を演奏しました。実際、バンドの演奏は素晴らしく、メアリーアンの魔法のようなパフォーマンスを捉えるために、ライブアルバムを録音する必要があると確信しました。（そして、それは最終的に実現しました！） その後、デイと私は知り合いになり、様々なライブで顔を合わせるようになりました。ご想像の通り、共通の友人もたくさんいますが、共通点もたくさんあります。二人とも青春時代はスケートボードとビート作りに多くの時間を費やし、 J・ディラと彼のアルバム「Donuts」には大きな影響を受けました（このアルバムがディラの生前最後の作品であり、愛する人への手紙であり、ある意味ではこの世を去る前の最後の言葉だったと知るまで、私はそのアルバムの真価を十分に理解していませんでした）。 ある時、デイは友人のネルソン・チョーの協力を得てソロEPを制作していると教えてくれた。二人はワヒアワにあるネルソンのライトワークス・レコーディングスで何時間も過ごし、十数曲と数え切れないほどのビートを制作していた。 ある日、デイがスタジオに招き入れ、ラフ・ドラフトをいくつか見せてくれました。光栄にもその申し出を受け、私はスタジオへ行きました。そこで聴いたのは、デイが思い描いた「BLUE」の始まりでした。それは、東海岸（ワシントンD.C.とニューヨーク）での活動から、現在活躍するホノルルまでの、アーティストとしての道のりを物語る楽曲集でした。 草稿はまだ粗削りだったので、私はオープンに意見を述べ、途中でどんなフィードバックでも喜んで提供できるようにしておいた。彼とネルソンの側には、まだやるべきことがたくさんあった。アレンジを締めくくり、適切なシンガーを見つけ、空いている部分を埋め、そして決定的なひらめきの瞬間が訪れるのを待つこと。 DC2NYC2 by Dae Han 数か月が経ち、私はプロジェクト自体についてデイからあまり聞いていませんでしたが、サーフジャック ホテルで初めてメアリーアン イトウと共演した彼を見たときのように、いつも私にインスピレーションと感動を与えてくれる彼のショーをたくさん見ました。 トランペット奏者の黒田卓也がブルーノート・ハワイのヘッドライン公演のために来日した際、デイが組んだバンド。あるいは、ギルバート・バタンガン、マーク・タノウエと共に、ザ・リパブリックでクルアンビンの前座を務めたトリオ。昨年は、ミンディ・スモークスタック、アマンダ・フレイザー、ニック・クロサワ、メアリーアン・イトーの才能を称えるため、サックス奏者のニック・カレイキニと企画したクリスマス「シンガーズ・スペシャル」。アサートン公演でデイが披露したハービー・ハンコックの曲のジャングル風（つまりブレイクビーツ風）バージョンは今でも忘れられない。衝撃的だった！ そしてもちろん、デイは毎年、自身のDae Han Ensemble （「Dae Hansemble」と略すべきだと冗談を言う人もいます）を率いてJ Dillaに敬意を表し、ジャズを前面に押し出したアプローチでプロデューサーの名曲をライブで披露しています。これはいつも素晴らしい体験です。ハワイ以外の人にも聴いてもらえるように、これらのパフォーマンスの録音が公開されていたら良かったのにと思います。 ある日、Daeから『BLUE』が完成したと聞きました。2019年末のリリースに向けて準備を進めているとのこと。 協力したいと思っていましたが、数ヶ月前のドラフト段階から聴いていなかったので、どんな感じなのか確信が持てませんでした。でも、1年間の素晴らしいパフォーマンスを目の当たりにしてきたので、彼のアルバムが傑出した作品になることは間違いありませんでした。ネルソンが最後のトラックを送ってくれました。 次の一週間、私はBLUE以外の音楽をほとんど聴きませんでした。 「 DC2NYC 」のオープニングコードを聴いた瞬間から、これは何か特別なものがあると確信しました。この曲の続編となるヒット曲「 DC2NYC2 」では、嬉しいことにマリアンヌ・イトーがオープニングを飾り（彼女大好き！）、そして止まらない勢いのShing02と、長年のコラボレーターであるスピン・マスターA-1が続きます。サックス奏者のニック・カレイキニの力を借りて、タイトルトラック「BLUE」は自信に満ちた旋律へと移り、次の曲、思わず頭をうなずきたくなるグルーヴ感溢れる「Honolulu Jazz」へと続きます。この曲を聴いた瞬間、これは素晴らしいレコードになるだろうと確信しました。 そこでデイに、これをレコードにしようと持ちかけたんだ。「レコードにしよう」ってね。アロハ・ゴット・ソウル経由でね。デイは賛成してくれた。...
グリーンウッドの「スパークル」がレコードで復活：1985年と2014年（AGS-027）
AGS-027 は、「Sparkle」の 2 つのバージョン (1984 年のオリジナル バージョンと、デビュー アルバム「Lost In Paradise」に収録されている 2015 年のリフレッシュ バージョン) を収録した両面レコードです。
グリーンウッドの「スパークル」がレコードで復活：1985年と2014年（AGS-027）
AGS-027 は、「Sparkle」の 2 つのバージョン (1984 年のオリジナル バージョンと、デビュー アルバム「Lost In Paradise」に収録されている 2015 年のリフレッシュ バージョン) を収録した両面レコードです。
インタビュー：リチャード・レブルがレブル・メッセージ、ETSレコード、ホノルル・スタジオ・セッ...
リチャード・レブルとのインタビューの抜粋が、 Aquarium Drunkardに掲載されました。これは、From These Shoresの新作コンピレーション・アルバムのリリースを記念したものです。コンピレーション・アルバムはこちらでお聴きいただけます。 長年にわたってオリバー・セギンが私に紹介してくれた素晴らしいハワイのレコードを振り返ってみると、彼が特に衝撃的なトラックを私に聞かせてくれた時間と場所をはっきりと思い出すことができます。 2015年、家族とカカアコ・ウォーターフロント・パークで夕日を眺めながらピクニックをしていた時のことです。オリバーが携帯からリチャード・レブルの「Reb'll Message 」のデジタルリッピングを再生してくれたんです。もう圧倒されました。サイケ、ファンク、スポークンワードが融合した、とても詩的で珍しい曲でした。あの瞬間は一生忘れません。そしてオリバーは、B面にインストゥルメンタル曲があることを明かしました。すごい！ 2016年初頭、リチャード・レブルに連絡を取り、両曲のライセンスを取得したいと考えました。彼はオアフ島西部のエヴァビーチに住んでおり、ホノルルからは車で約1時間です。初めて彼を訪ねたとき、彼は近年取り組んでいるプロジェクトについて熱心に話してくれました。彼は歌手ではなく作家であり、1976年頃の『Message』以来、ボーカルを録音していません。 リチャードは、歌うことではなく作曲に集中していると強調する。レコーディング当時、彼は別のボーカリストを希望していたが、誰も参加できなかったため、リチャードは次善策として自身の声で参加することにした。その結果、切なくも心を打つ、歌詞に魅惑的な楽曲が誕生し、近日発売予定のコンピレーションアルバム『From These Shores 』（インストゥルメンタル版も収録）に収録されている。 2016年に『From These Shores』の編集を始め、約25曲の候補曲を絞り込みました。リチャード・レブル、メレル・ファンクハウザー、故エディ・スズキの息子など、一部のアーティストは簡単に見つけられましたが、そうでないアーティストもおり、完成までに3年近くかかりました。 リチャード・レブルは、私が一緒に仕事をしたアーティストの中で、長年マスターテープを保管している数少ない人の一人です。（ アイコのアルバム「マイ・ホーム・タウン」のプロデューサー、 デール・セナガは、磁気テープを捨てて、スプールを、家のインテリアに使いたいと思っていた友人に寄付したと告白しました。）テープを転送する時が来たとき、私たちは、そのような設備を備えたホノルルで数少ない（唯一の？）スタジオの1つ、緑豊かなマノア・バレーの奥にひっそりと佇む、主にアナログのレコーディング・スタジオ、ランデヴー・レコーディングを訪ねました。経営は、長年ホノルルに在住するピエール・グリルです。 リチャードは箱いっぱいのテープを持ってきた。中には同じ曲の複製や、何年もかけて磨き上げてきた曲のアレンジが入っていた。初めて会った時、彼は私に『Reb'll Message』を一枚くれた。しかし、レーベルがオリバーのものとは違っていた。こちらはETSレコードの白と青のレーベル。オリバーのものはSOSレコードの青と黒のレーベルだ。ETS版は楽器編成が控えめで、いわゆるデモ盤だった。SOS版は、商業リリースを前提とした本格的なバージョンだった。 制作を進めるうちに、トラックリストの大部分がオリバーが長年かけて私に紹介してくれた曲で構成されていることに気づき始めました。その時、オリバーはコンパイル・アーティストとして認められるべきだと確信しました。2011年に私がハワイに帰国して以来、私たちは一緒にDJをしていますが、彼がAloha Got SoulレーベルでDJをするのは今回が初めてです。オリバーの耳と、素晴らしいディギングの才能がなければ、 『From These Shores』は存在しなかったでしょう。 以下は、2016 年と...
インタビュー：リチャード・レブルがレブル・メッセージ、ETSレコード、ホノルル・スタジオ・セッ...
リチャード・レブルとのインタビューの抜粋が、 Aquarium Drunkardに掲載されました。これは、From These Shoresの新作コンピレーション・アルバムのリリースを記念したものです。コンピレーション・アルバムはこちらでお聴きいただけます。 長年にわたってオリバー・セギンが私に紹介してくれた素晴らしいハワイのレコードを振り返ってみると、彼が特に衝撃的なトラックを私に聞かせてくれた時間と場所をはっきりと思い出すことができます。 2015年、家族とカカアコ・ウォーターフロント・パークで夕日を眺めながらピクニックをしていた時のことです。オリバーが携帯からリチャード・レブルの「Reb'll Message 」のデジタルリッピングを再生してくれたんです。もう圧倒されました。サイケ、ファンク、スポークンワードが融合した、とても詩的で珍しい曲でした。あの瞬間は一生忘れません。そしてオリバーは、B面にインストゥルメンタル曲があることを明かしました。すごい！ 2016年初頭、リチャード・レブルに連絡を取り、両曲のライセンスを取得したいと考えました。彼はオアフ島西部のエヴァビーチに住んでおり、ホノルルからは車で約1時間です。初めて彼を訪ねたとき、彼は近年取り組んでいるプロジェクトについて熱心に話してくれました。彼は歌手ではなく作家であり、1976年頃の『Message』以来、ボーカルを録音していません。 リチャードは、歌うことではなく作曲に集中していると強調する。レコーディング当時、彼は別のボーカリストを希望していたが、誰も参加できなかったため、リチャードは次善策として自身の声で参加することにした。その結果、切なくも心を打つ、歌詞に魅惑的な楽曲が誕生し、近日発売予定のコンピレーションアルバム『From These Shores 』（インストゥルメンタル版も収録）に収録されている。 2016年に『From These Shores』の編集を始め、約25曲の候補曲を絞り込みました。リチャード・レブル、メレル・ファンクハウザー、故エディ・スズキの息子など、一部のアーティストは簡単に見つけられましたが、そうでないアーティストもおり、完成までに3年近くかかりました。 リチャード・レブルは、私が一緒に仕事をしたアーティストの中で、長年マスターテープを保管している数少ない人の一人です。（ アイコのアルバム「マイ・ホーム・タウン」のプロデューサー、 デール・セナガは、磁気テープを捨てて、スプールを、家のインテリアに使いたいと思っていた友人に寄付したと告白しました。）テープを転送する時が来たとき、私たちは、そのような設備を備えたホノルルで数少ない（唯一の？）スタジオの1つ、緑豊かなマノア・バレーの奥にひっそりと佇む、主にアナログのレコーディング・スタジオ、ランデヴー・レコーディングを訪ねました。経営は、長年ホノルルに在住するピエール・グリルです。 リチャードは箱いっぱいのテープを持ってきた。中には同じ曲の複製や、何年もかけて磨き上げてきた曲のアレンジが入っていた。初めて会った時、彼は私に『Reb'll Message』を一枚くれた。しかし、レーベルがオリバーのものとは違っていた。こちらはETSレコードの白と青のレーベル。オリバーのものはSOSレコードの青と黒のレーベルだ。ETS版は楽器編成が控えめで、いわゆるデモ盤だった。SOS版は、商業リリースを前提とした本格的なバージョンだった。 制作を進めるうちに、トラックリストの大部分がオリバーが長年かけて私に紹介してくれた曲で構成されていることに気づき始めました。その時、オリバーはコンパイル・アーティストとして認められるべきだと確信しました。2011年に私がハワイに帰国して以来、私たちは一緒にDJをしていますが、彼がAloha Got SoulレーベルでDJをするのは今回が初めてです。オリバーの耳と、素晴らしいディギングの才能がなければ、 『From These Shores』は存在しなかったでしょう。 以下は、2016 年と...
ハリー・ソノダの「Waves」（1977年）についてのノート
この曲を初めて聴いたのは、確かIdea's（当時Jelly's）で、オリバーと私が企画した小さな店内イベントだったと思う。もしかしたら、何年も前のことだけど、 Meaty Ogreが来た時だったかもしれない。 いずれにせよ、ライブ中「Waves」を完璧にミックスしたのはオリバーだった。ギターの壮大な旋律とシンセサイザーによる海の音色が、すぐに私の心を奪った。一体これは何だ？ いつものオリバー・ツイストのように、彼は微笑んで軽く肩をすくめ、レコードを私に見せてくれた。 「スワップミートで本人からもらったんだ。」 ハリー・ソノダには2枚のアルバムがありました。2枚目のアルバム『 Tiny Little Star 』で、「Waves」が収録されています。そして、ドン・ホーのレーベル、ハナ・ホー・レコードからのデビュー作『 You Don't Need A Mind Just Soul』です。2006年に亡くなる前にソノダに会えたらよかったのに、と心から思います。この2枚のアルバムだけでも、ソノダと私がうまくやっていたであろうことが十分に分かります。 「彼は生まれながらのサーファーであり、独学で音楽を学びました」と、2006年の地元紙に掲載された園田氏を偲ぶ記事には記されている。彼は57歳で亡くなった。つまり、ハワイがアメリカ合衆国の50番目の州になる10年前の1949年に生まれたことになる。 園田は幼い頃から独学でギターを学び、1968年にはドン・ホーが彼のファーストアルバム『 ユー・ドント・ニード・ア・マインド・ジャスト・ソウル』をプロデュースしました。（このLPはこの記事の執筆時点でDiscogsで多数入手可能ですので、興味のある方はご参照ください。） 「ハワイ出身のドン・ホーの登場以来、これほど私の興味と熱意を掻き立てたボーカリストはいない。わずか18歳のハリー・ソノダは紛れもなく天才だ。現代音楽に独自のボーカル解釈を見出しただけでなく、自ら解釈した曲も自ら作曲している。彼には独特のメッセージがある。新しい何かを、そしてそれを壮大な方法で伝える。私は彼を、アメリカの若きスーパースターの一人だと見ている。 」アルバムのライナーノーツより、ロジャー・キャロルの言葉。 このリリースは、1968年12月7日号のビルボード誌で4つ星の評価を受けた。園田と同時代のアーティストには、クイ・リー、バディ・フォー、アル・ロパカなどがいた。 園田とロパカの名前は、今日の音楽関係者の間ではあまり知られていないかもしれませんが、クイ・リーの伝説は、アンディ・ウィリアムズ、トニー・ベネット、ハーブ・アルパート、ロジャー・ウィリアムズ、そして最も有名なエルヴィス・プレスリーといった人気アーティストによるカバーのおかげで、今もなお受け継がれています。実際、エルヴィス・プレスリーが1973年に開催した「アロハ・フロム・ハワイ」コンサートでは、クイ・リー癌基金に7万5000ドルが寄付されました（リーは1966年に癌で亡くなりました）。 しかし、クイの伝説を真に確固たるものにしたのは、ドン・ホーとの緊密な音楽関係でした。ドン・ホーはクイの曲を数枚のアルバムに収録し、ハワイの新世代のサウンドを担うソングライターとしてクイを称賛しました。 （バディ・フォーについては、実績が証明しています。1968年のLPは「バディ・フォーズ・ニュー・ハワイ」というタイトルでした。彼はまた、特に彼のグループ「ザ・インビテーションズ」で、彼の音楽に次世代の4部ボーカルハーモニーを吹き込んだ立役者でもありました。フォーの音楽性は比類のないものでした…とにかく、1960年代のハワイの音楽については、多くのことが語られるでしょう！） 1966年にクイが亡くなった後、ドン・ホーは若い園田に同様の将来性を見出し、それがハナ・ホー・レコードからの歌手デビューにつながったに違いない。 9年後、園田は『Tiny Little...
ハリー・ソノダの「Waves」（1977年）についてのノート
この曲を初めて聴いたのは、確かIdea's（当時Jelly's）で、オリバーと私が企画した小さな店内イベントだったと思う。もしかしたら、何年も前のことだけど、 Meaty Ogreが来た時だったかもしれない。 いずれにせよ、ライブ中「Waves」を完璧にミックスしたのはオリバーだった。ギターの壮大な旋律とシンセサイザーによる海の音色が、すぐに私の心を奪った。一体これは何だ？ いつものオリバー・ツイストのように、彼は微笑んで軽く肩をすくめ、レコードを私に見せてくれた。 「スワップミートで本人からもらったんだ。」 ハリー・ソノダには2枚のアルバムがありました。2枚目のアルバム『 Tiny Little Star 』で、「Waves」が収録されています。そして、ドン・ホーのレーベル、ハナ・ホー・レコードからのデビュー作『 You Don't Need A Mind Just Soul』です。2006年に亡くなる前にソノダに会えたらよかったのに、と心から思います。この2枚のアルバムだけでも、ソノダと私がうまくやっていたであろうことが十分に分かります。 「彼は生まれながらのサーファーであり、独学で音楽を学びました」と、2006年の地元紙に掲載された園田氏を偲ぶ記事には記されている。彼は57歳で亡くなった。つまり、ハワイがアメリカ合衆国の50番目の州になる10年前の1949年に生まれたことになる。 園田は幼い頃から独学でギターを学び、1968年にはドン・ホーが彼のファーストアルバム『 ユー・ドント・ニード・ア・マインド・ジャスト・ソウル』をプロデュースしました。（このLPはこの記事の執筆時点でDiscogsで多数入手可能ですので、興味のある方はご参照ください。） 「ハワイ出身のドン・ホーの登場以来、これほど私の興味と熱意を掻き立てたボーカリストはいない。わずか18歳のハリー・ソノダは紛れもなく天才だ。現代音楽に独自のボーカル解釈を見出しただけでなく、自ら解釈した曲も自ら作曲している。彼には独特のメッセージがある。新しい何かを、そしてそれを壮大な方法で伝える。私は彼を、アメリカの若きスーパースターの一人だと見ている。 」アルバムのライナーノーツより、ロジャー・キャロルの言葉。 このリリースは、1968年12月7日号のビルボード誌で4つ星の評価を受けた。園田と同時代のアーティストには、クイ・リー、バディ・フォー、アル・ロパカなどがいた。 園田とロパカの名前は、今日の音楽関係者の間ではあまり知られていないかもしれませんが、クイ・リーの伝説は、アンディ・ウィリアムズ、トニー・ベネット、ハーブ・アルパート、ロジャー・ウィリアムズ、そして最も有名なエルヴィス・プレスリーといった人気アーティストによるカバーのおかげで、今もなお受け継がれています。実際、エルヴィス・プレスリーが1973年に開催した「アロハ・フロム・ハワイ」コンサートでは、クイ・リー癌基金に7万5000ドルが寄付されました（リーは1966年に癌で亡くなりました）。 しかし、クイの伝説を真に確固たるものにしたのは、ドン・ホーとの緊密な音楽関係でした。ドン・ホーはクイの曲を数枚のアルバムに収録し、ハワイの新世代のサウンドを担うソングライターとしてクイを称賛しました。 （バディ・フォーについては、実績が証明しています。1968年のLPは「バディ・フォーズ・ニュー・ハワイ」というタイトルでした。彼はまた、特に彼のグループ「ザ・インビテーションズ」で、彼の音楽に次世代の4部ボーカルハーモニーを吹き込んだ立役者でもありました。フォーの音楽性は比類のないものでした…とにかく、1960年代のハワイの音楽については、多くのことが語られるでしょう！） 1966年にクイが亡くなった後、ドン・ホーは若い園田に同様の将来性を見出し、それがハナ・ホー・レコードからの歌手デビューにつながったに違いない。 9年後、園田は『Tiny Little...